Imagofagia

No es solo plata, también son amores: Crítica de "Cambio cambio" (Lautaro García Candela, 2022)

2024-03-27T12:54:46-03:00

Crítica de Cambio cambio (Lautaro García Candela, 2022).

La memoria de la tierra

2023-05-03T21:07:48-03:00

Crítica de Memoria (Apichatpong Weerasethakul, 2021)

El primer plano en "Yawar Mallku" (1969): Rostros anónimos e imágenes-reflectantes

2023-12-13T20:56:40-03:00

Este artículo es el resultado de un análisis plano por plano de la película de Jorge Sanjinés: Yawar Mallku (1969). El análisis se centra en las funciones que cumple en el filme el primer plano. Se plantea la hipótesis de que este recurso no busca expresar la individualidad de un personaje. Al contrario, las imágenes de rostros son superficies reflejantes que permiten describir un espacio o son vehículos para la metáfora. De ahí que los individuos concretos se funden en la colectividad a partir de tratarlos como rostros anónimos, es decir, sin valor en sí mismos. Este análisis pretende ser un aporte para comprender el conjunto de la obra de Sanjinés, a partir de un modelo de comprensión no teleológico. Es decir, sin caer en la tentación de asumir que todas las películas posteriores a Yawar Mallku son “preparaciones” para llegar a la obra maestra de Sanjinés, La nación clandestina (1989).

Relaciones fotogénicas en "O teto sobre nós" (2015)

2024-01-14T23:23:15-03:00

Este artículo forma parte de una investigación sobre imágenes que tematizan y participan en disputas por la vivienda urbana en el Brasil contemporáneo. En este texto tocará analizar las “relaciones fotogénicas” en torno a una de estas películas, O teto sobre nós (Carboni, 2015). Además de la producción audiovisual, Carboni (2020) tiene una producción teórica, en la que se apropia del concepto de fotogenia de Jean Epstein para pensar la relación entre cine y alteridad. La problematización de este artículo se puede describir de la siguiente manera: ¿cómo piensa Carboni la fotogenia conceptual y artísticamente? ¿Cuáles son sus repercusiones estéticas y políticas en O teto sobre nós? Metodológicamente, el trabajo se incluye en los Estudios en Teoría de les Cineastas, a partir de la distinción entre pensamiento conceptual y pensamiento visual propuesta por Deleuze y Guattari en sus textos sobre arte y filosofía (1992, 2016).

Hacia una arqueología de la poética experimental de improvisación en Belair Filmes

2022-12-06T10:06:41-03:00

Fuera del marco institucional de películas económicamente viables del período posterior a AI-5 de la dictadura militar en Brasil, Belair Filmes era una productora cuya (po)ética actoral abogaba por la improvisación en detrimento de formas de actuar dentro de métodos más rígidos. El trabajo del actor fluye, entonces, en un mosaico de performances en espacios abiertos, en encuentros no programados con transeúntes (cuerpos sociales), en una propuesta de actuación exasperada y acomplejada que se opone directamente al poder panóptico de los poderes coercitivos existentes.

La ruptura de estereotipos de género en el cine experimental de Narcisa Hirsch

2024-02-27T23:36:09-03:00

En la obra de Hirsch existen retratos y autorretratos formados de sentimientos, reflexiones y actitudes que rompen con los estereotipos de mujer-madre, embarazo-estado de gracia, mujer-objeto erótico y amor romántico, y expresan otras subjetividades no clausuradas, ni a una identidad inmutable ni a una posición definitiva en relación con el género. A nivel formal, se opone al modo de representación institucional del cine clásico, y a sus maneras de generar placer en espectadores. Aun cuando Hirsch nunca se definió feminista, encontramos temáticas e intereses en sus films que nos permiten establecer relaciones con premisas de la teoría fílmica feminista en sus cortometrajes. Las películas aquí analizadas, Mujeres (1970-1985), Pink Freud (1973), Bebés (1972), Ama-zona (1983), A-Dios (1989), Orfeo y Eurídice (1976), expresan el vínculo de la artista consigo misma como mujer y con otras mujeres y su relación con los hombres y la de los hombres con el mundo.

Editorial IMAGOFAGIA No 29

2024-04-24T14:03:27-03:00

Editorial N° 29

Entre cine y literatura: Paz Alicia Garciadiego y su proceso creativo de escribir para el cine

2024-03-28T11:06:56-03:00

Entrevista a Paz Alicia Garciadiego sobre el proceso creativo de su obra más reciente y otros guiones. La entrevista tuvo lugar virtualmente el 5 de febrero de 2024.

Los agentes dobles. Escritores y cineastas en la transformación del cine argentino

2024-03-14T16:56:48-03:00

Sobre Marcos Zangrandi. Los agentes dobles. Escritores y cineastas en la transformación del cine argentino. Rosario: Beatriz Viterbo Editora, 2023. 190 pp., ISBN: 9789508454294.

Los nacimientos del cine uruguayo. Una historia completa.

2024-04-01T08:36:32-03:00

Sobre Álvaro Lema Mosca. Los nacimientos del cine uruguayo. Una historia completa. Montevideo: Sujetos Editores, 2023. 450 pp., ISBN: 978-9915-9519-4-2.

Estética y semiótica del cine. Hacia una teoría paradigmática

2024-02-25T15:12:00-03:00

Sobre Lauro Zavala. Estética y semiótica del cine. Hacia una teoría paradigmática. México, Universidad Nacional Autónoma de México, 2023, 332 p. ISBN 978-607-30-7752-1.

Cinema para russos, cinema para soviéticos

2023-05-11T09:24:12-03:00

Sobre João Lanari Bo. Cinema para russos, cinema para soviéticos. Rio de Janeiro: Bazar do Tempo, 2019. 304 pp. ISBN: 978-85-69924-63-0.

Terror verde. Veganismo y ecología en el cine de terror argentino contemporáneo

2024-02-28T12:17:53-03:00

En las últimas décadas surgió, en Argentina, un subgénero del terror que elijo denominar terror verde, que ancla sus antecedentes en el eco-horror pero que, a diferencia de este —que monstrifica al animal otorgándole gran tamaño, astucia o velocidad de reproducción— el terror verde argentino lo mantiene en un lugar de víctima equiparándolo con el ser humano. En el terror verde el otro terrorífico es un semejante. El horror se expresa en las consecuencias del accionar humano sobre el medio que habita. En este subgénero se pueden observar dos corrientes diferentes entre sí, pero, a la vez, íntimamente ligadas. Aquella de corte anti-especista, con el acento puesto sobre la cuestión animal, y la de tipo ambientalista, en donde las historias giran en torno al cambio climático, el animal suele ser uno de los grandes ausentes y el ser humano lucha por sobrevivir en una tierra devastada.

La pobreza en los labios, una mirada a "Labios de Churrasco" de Raúl Perrone

2024-03-06T16:24:40-03:00

El siguiente artículo busca indagar en las distintas modalidades de violencias y marginalidades presentes en la obra temprana de Raúl Perrone Labios de Churrasco. Desde la cotidianidad de su mundo privado, Ituzaingó, el director plantea un discurso crítico para con su época. Afirma en los cuerpos de los jóvenes marginales captados con su cámara la presencia del pueblo, muchas veces catalogado como “ausente”, en un momento crucial de la historia argentina.

Felices vacaciones: cuestiones de géneros en "All Inclusive", "Las Vegas" y "Sueño Florianópolis"

2023-10-14T14:10:23-03:00

En 2018 se estrenaron en Argentina tres comedias que se desarrollan durante vacaciones familiares o de pareja: All Inclusive de Diego y Pablo Levy, Las Vegas de Juan Villegas y Sueño Florianópolis de Ana Katz. Cada una de ellas presenta situaciones que suspenden la armonía vacacional para reformular los vínculos interpersonales, ya sea desde las convenciones de género (tanto como genre y gender) o desde sus quiebres. Dentro del universo hermético y a veces carnavalesco que habilitan las vacaciones, estas películas usan la comedia para manifestar diferentes miradas sobre el matrimonio y la familia. Este artículo se propone reflexionar sobre el rol que desempeña la felicidad (y su fracaso) en el imaginario vacacional y familiar dentro de la construcción del género (comedia) y de la percepción de género (gender).

En busca de una identidad de estilo situada: la política estética en el cine de Paz Encina

2024-01-10T16:23:27-03:00

El presente texto se propone indagar en una parte de la filmografía de la prolífica cineasta paraguaya Paz Encina, trazando un reenvío a categorías conceptuales del campo de las Artes Visuales y Audiovisuales en pos de revitalizar ciertos debates que, consideramos, siguen mereciendo una revisión constante. Entre ellos, afloran la noción de política estética, la necesidad de continuar problematizando las eternas dicotomías que atraviesan al campo del arte (forma-contenido; centro-periferia) y la posibilidad de ponderar el orden político-poético (o bien ético-estético) a la hora de echar luz en el modo en que las películas nos hablan de los pueblos y las subjetividades que sus imágenes representan. En este sentido, tomando como punto de partida algunos conceptos ofrecidos por Nelly Richard (1998) y Mabel Tassara (2015), se abordan las películas Hamaca paraguaya (2006), Viento sur (2010), Ejercicios de memoria (2016) y Eami (2022).

Maternidades en vilo: madres e hijes en los largometrajes de Claudia Llosa

2024-02-23T18:47:29-03:00

La directora de cine peruana Claudia Llosa (Lima, 1976) lleva dirigidos hasta la fecha cuatro películas en formato de largometraje, p´remiados en importantes festivales internacionales. Madeinusa (2006) y La teta asustada (2009) fueron rodados en Perú, transcurren entre el altiplano y la ciudad de Lima, comparten la lengua quechua junto con el español. Su siguiente film, Aloft (2014, No llores, vuela), fue filmada en Canadá y está hablada mayormente en inglés. Su película más reciente, Distancia de rescate (2021, Fever Dream), concebida como producción para la plataforma Netflix, es una adaptación de la novela homónima de la escritora argentina Samanta Schweblin, con quien Llosa escribió el guion original. Se puede seguir en esta filmografía ciertos temas recurrentes, como por ejemplo, la maternidad y todas sus complejidades. Esbozado en las dos primeras películas, adquiere una enorme centraloidad en Aloft y en Distancia de rescate. Este artículo se concentrará en analizar los vínculos entre madres e hijas/os, desde la teoría crítica feminista.

El símbolo del agua en "Dolor y gloria" de Pedro Almodóvar

2023-10-13T06:45:44-03:00

Este artículo analiza el símbolo del agua en el cine de Pedro Almodóvar, en concreto, en Dolor y gloria (2018), donde no solo aparece en distintas escenas, sino también en otras obras artísticas, que el cineasta introduce a modo de intertexto, con las que establece un diálogo. Se trata de analizar el significado simbólico e imaginario que existe tras la belleza formal de sus imágenes, vinculado al narcisismo, la vida y la muerte, la pureza y la maternidad, para concluir que su obra exhibe un estilo visual propio, y alejado de lo real, que refuerza el pacto de ficción con el espectador y en el que el símbolo muestra una verdad objetiva y universal.